Kritiks

Spinoza et ses mots...

noreply@blogspirit.com (B (Webmaster)) — Thu, 23 May 2013 20:26:00 +0200

Comment aborder Spinoza ? Un philosophe du XVII° siècle certes, un homme rigoureux, un visionnaire, un homme en quête de sens ? Imaginez-vous devant une classe qui se refuse de comprendre que ces siècles passés nous constituent. Là vous rêvez de leur confier un morceau de vos lectures. Voilà l’idée de Marc Halévy faire comprendre un auteur avec la vitesse de passage actuelle… Et pourquoi pas ? Il y a quelques années, j’aurais hurlé, crié au blasphème philosophique, aujourd’hui je me dis que le moindre mot décortiqué peut apprendre beaucoup. Mais il faut le faire avec intelligence et c’est ce que propose cette collection « pratique » des éditions Eyrolles. Sept parties sans compter le prologue et l’épilogue, sept thèmes : dieu, la joie, l’esprit, le destin, la vertu, l’amour et la vie… Autant de thèmes que nous pourrions aborder tous les jours à l’aide d’exemple ou de faits d’actualité. Mais n’est-il pas mieux de les éclairer à vos élèves, enfants, amis de façon ludique et subtile tout en tentant de donner des bribes, des clefs de l’œuvre de Spinoza ? Le tout est de « comprendre », d’avancer vers la « béatitude » ou parfaite connaissance de soi…

Marc Halévy - citations de Spinoza expliquées, éd. Eyrolles, coll. Eyrolles pratique, 2013- 10 euros

Les Allemands ont-ils changé d’accent ?

noreply@blogspirit.com (Pascal) — Thu, 23 May 2013 16:44:00 +0200

Je me souviens de l’accent de salaud. Je me souviens de ces vieux films où l’Allemand de l’après-guerre ne pouvait être que celui de la casquette nazie et des passementeries en forme de tête de mort. Enfant, j’avais appris à reconnaître l’accent «tudesque» et, sans me tromper, le salaud qui allait avec. Les salauds ont les accents des salauds. Je me souviens de cette langue à l’accent de crachats où les hurlements valaient raisonnements. N’était-ce pas une langue de salauds ? N’avait-elle pas été parlée par des massacreurs minables et des clowns sinistres de stades sportifs ? C’était une horrible erreur? Il y avait eu les poètes, les lieder, Bach…Platitudes béates d’intellectuels ! Toute langue parlée avec un accent de salaud est détestable ! Ça ne se discute pas ! L’histoire vient de nous le jeter à la figure !

Plus tard, j’ai cauchemardé ce que devait être une vie de jeune allemand. Prisonnier de sa langue. Le seul fait de la parler induisait qu’il était un coupable et un salaud. Je suis un jeune allemand et dès que j’ouvre la bouche, je lis dans le regard gêné et hostile de mon interlocuteur que je suis un « HHHAllemAN ». Celui du fameux « RAHAUSSSSSE », celui de « CHNAILLL », de « KAPOUUUT » et de tant d’autres mots qui ont tué.

Le calme vient-il après les tempêtes ? Les peuples sont-ils absous à l’ancienneté ? Ou bien, des locuteurs indemnes, des Allemands étrangers aux besoins de pardon et aux désirs d’excuses, seraient arrivés sur le marché des idées, des discours et des échanges intellectuels ?

L’accent de salaud a muté en accent d’excellence ! La qualité est maintenant « ALLMONDE ». Quant aux fabricants de bagnoles, ils n’ont plus rien à craindre d’un accent un peu soutenu. Plus qu’un long discours, il faut dire les choses, directement, en allemand. « DAS A-AUTOOOO » (accent tonique sur le O final) ». Rien à dire de plus. Le meilleur. Et ça s’entend.

Pascal Ordonneau

Giotto et les compagnons au Louvre

noreply@blogspirit.com (B (Webmaster)) — Tue, 21 May 2013 21:49:00 +0200

Comment dire quelque chose sur Giotto ? Tant a été dit ! Pourquoi dire alors ? C’est qu’il y a tant à dire !!!

C’est sur cette pirouette que j’irai tenter de dire quelques mots sur les œuvres exposées au Louvre dans le cadre de la belle exposition « Giotto et ses compagnons ». Deux ou trois choses qui ne cessent de me frapper chaque fois que je retrouve Giotto. Deux ou trois choses pour concentrer le regard sur un aspect, essentiel à mes yeux, de son œuvre.

La « Vision » de Giotto

La première est que Giotto est un artiste au sens le plus fort, au vrai sens du terme. Un visionnaire et un acteur. Parmi les hommes qui ne veulent rien de plus que la récitation du monde tel qu’ils n’ont pas envie qu’il bouge, il est de ces hommes qui l’annoncent dans tous ses craquements et ses lendemains. Ils enfoncent des coins fragiles dans la tradition pétrifiée et provoquent le déchirement de blocs spirituels et mentaux. Puis, saisissant les temps nouveaux à leur émergence, issus des fissures et des béances, ils les portent à la lumière et les donnent à voir, comprendre, sentir.

Parmi les tableaux présentés, un très beau signal de cette rupture est donné par la confrontation des œuvres de Giotto avec l’Annonciation du Maître de Cesi. La facture traditionnelle, très belle de ce dernier, efface tout effet de matière, de présence au monde des hommes, de distinction entre les personnages. Pas de perspective, des aplats. Le monde ne se représente pas, il se raconte pour ce qu’il a à dire, c’est-à-dire peu qui soit utile. Le vrai monde, celui des purs, des ors, des bleus, des cercles parfaits et de la musique des sphères n’est pas « de ce monde ». Les couleurs, les matières, la position des corps y sont dites, signifiées mais jamais représentées.

A l’opposé, la stigmatisation de Saint François, fait montre de ce que Giotto a fait de l’ancienne hiérarchie des sphères. A la légèreté de la façon traditionnelle, celle des anges, des séraphins, du monde doré ou parfaitement bleu, impalpable et immuable, sérénité de l’éternité, douceur de la sainteté, Giotto oppose le roc, le monde imparfait et l’homme dans sa nature, rustique et dure, le marron de la bure, s’oppose à l’or des étoles. Il pose ainsi un homme qui ne se contente pas d’être là, comme une pure et fine présence que les cieux concèdent à la terre.

Giotto introduit deux personnages, deux héros dans sa peinture, la gravité et l’irrégularité. Il renverse les propositions de la vieille peinture (qui saura survivre à l’affront !). Il représente le lourd, ce qui est collé à la terre sans espoir de pouvoir s’en détacher jusqu’à ce que mort survienne. Il faut raconter les rochers dans la représentation de Giotto. Surtout, qu’on n’y voit pas du naturalisme ! Qu’on n’y recherche pas les poncifs sur la réinvention de l’Homme dans la Nature. Qu’on ne se méprenne pas : la montagne est lourde, c’est-à-dire grave et la terre est gravide, enfantant la vie et la mort. Grave et gravité. Les montagnes, les rochers de Giotto ancrent l’Homme dans son monde, celui d’en-cas, celui où il est tombé un jour, quittant le monde des circularités parfaites pour celui des géométries incertaines. Dans la stigmatisation de Saint François, la montagne fait le lien entre le Saint et le Christ. Elle monte vers les cieux et encadre parfaitement le Saint, de toute sa masse et de toute sa pesanteur. Elle le porte moins qu’elle ne le retient. Elle ne porte pas non plus maisons, églises, arbres. Ils sont enracinés en elle et participe de sa gravité.

La gravité de Giotto où tout le poids de la terre, retrouvé. Le monde nouveau annoncé : monde d’où est exclu, même en rêve, tout espoir d’envol vers des mondes légers, « divins ». Un monde qu’il faut accepter en tant que non parfait et à parfaire, œuvre non finie et qui ne le sera pas, où rien de beau n’existe par nature car le beau ne sera pas donné à contempler et où il sera le fait d’un acte et d’une présence à cet acte. Sous les couleurs et les formes de Giotto, Saint-François devient le démiurge qui prend le parti de l’Homme rattaché à sa glèbe. En récompense : les blessures humaines qu’un Dieu a endurées pour s’être fait homme. Le temps de l’homme est revenu. Giotto annonce cette nouvelle incroyable, le renversement de la vieille histoire. Il se fait le héraut de la nouvelle : l’homme n’a pas été chassé du Paradis, perdant toute légèreté et chutant, il vient de chasser le paradis pour se retrouver en tête à tête avec lui-même dans un univers lourd et grave, où dominent le laid, l’imparfait, l’inachevé, le fugitif.

Gravité, lourd, massif…

Ceci ne répètera pas ce qui vient d’être dit : c’en est l’illustration, celle du lourd et du pesant chez Giotto. Une vierge à l’enfant est merveilleusement explicite de la recherche par l’artiste d’une autre clé, d’une façon radicale de renouveler la représentation du divin et de renouveler les hiérarchies et leurs signes. Cette Vierge est pesante et son enfant avec elle. On pense non plus « peinture » et « couleurs », « pinceaux et matières » qu’on broie et mélange à l’œuf, on ne voit plus l’or en feuilles finement collé ou ces tâches dorées posées par un pinceau délicat, il n’y a plus de bleu pur, « bleu ciel », pour découper les visages et les nimber de lumière sans ombre. C’est au burin, à la pierre, au ciseau qu’on pense devant cette figure de la Vierge et de l’Enfant. Rudesse et sévérité des visages dont les rondeurs paraissent aussi solides que le marbre dont ils auraient pu être faits. Ils sont posés, là, en premier plan, imposant leur présence, lourde et grave. Les anges et les séraphins qui ne pouvaient pas ne pas être là, en sont effacés, présences diaphanes comme dessinées et non pas peintes.

A deux pas, un panneau : Dieu le Père, en majesté. La masse du corps est imposée physiquement. Elle occupe la quasi-totalité du panneau. On peut imaginer qu’il s’agit d’une partie intégrée dans un ensemble plus vaste, que ce panneau était accompagné, complété, encadré. La vérité est que l’effet rendu est celui d’une présence physique et pesante. La toge intégralement blanche ne vient pas contredire mais, de façon magistrale, renforce l’effet de masse et de gravité, évoquant la pierre et le marbre comme on l’a dit un peu plus haut de la représentation de la Vierge.

Le regard

Faudrait-il ajouter que les personnages de Giotto ont tous un regard. De leurs yeux vient cette lumière si particulière qui illumine l’œil attentif et concerné. La tradition faisait de Dieu et des Saints des sujets d’adoration. Ils se laissaient regarder, le regard vers l’infini, au-delà des adorateurs, regard de toute éternité plongé dans des pensées et des contemplations éternelles. Giotto confère au regard, une intensité et une lourdeur tout à l’inverse de cette tradition. Le regard divin se pose sur la terre et ses habitants comme s’il avait été courbé par cette nouvelle gravité, par l’attraction des montagnes, par l’irruption des irrégularités.

Pascal Ordonneau

Nietzsche expliqué ?

noreply@blogspirit.com (B (Webmaster)) — Sun, 19 May 2013 19:54:01 +0200

Qui n'a pas rêvé de comprendre Nietzsche ? Des aphorismes à Ainsi parlait Zarathoustra, en passant par le Crépusle des Idoles... la langue de Nietzsche évolue, elle se dessine au fur et à mesure de sa vie, de ses avancées, de ses drames, de son amour, de la maladie... De sa vie d'homme en quelque sorte. Mais ses mots sont précis et parfois très poétiques. Pour en comprendre les détours, il s'agit non d'aborder l'oeuvre dans sa totalité mais avec enthousiasme selon des parties thématiques : l'art de vivre, la morale, les valeurs... Huit parties (comprenant 150 citations) composent cet ouvrage de Marc Halévy. Le ton y est juste et drôle.

Avec joie et sans peine, vous êtes conviés à utiliser les bons mots comme de bons outils. Rangez les citations trouvées sur le net et laissez-vous guider par cet ouvrage qui vous fait découvrir l'un des plus grands philosophes du XIX° siècle, dont l'héritage dépasse de loin notre ère et les siècles qui suivront...

Marc Halévy - citations de Nietzsche expliquées, éd. Eyrolles, coll. Eyrolles pratique, 2013- 10 euros

Les femmes d'Alex Prager

noreply@blogspirit.com (Ophélie) — Sat, 20 Apr 2013 15:10:00 +0200

Photo: Alex Prager

Ses modèles sont sexy, jolies, pomponnées, et comme plongées dans un bain de couleur.

Exit, le monde masculin. Ici, on développe chiffons. Alex Prager marche à contre-courant de la photographie actuelle, en maquillant à outrance, en mettant en scène, en utilisant des accessoires.

L'anodin, la chose, le petit détail qui tue, ou les oiseaux du cinéma d'Alfred Hitchcock, s'invitent sur ses photos, en prémices d'une rupture. L'être féminin semble suspendu, entre deux eaux, entre deux vies, il nous renvoie au suspens d'une « journée particulière »*voulu par la photographe.

Fringues, sodas, pop corn... les femmes d'Alex nous rappellent que la beauté, la maternité, ou la bague au doigt, n'étaient qu'une des facettes de l'imaginaire de nos mères, voisines ou grand-mères.

Du spleen sous les bigoudis, enfouir le chagrin du jour sous un tailleur en flanelle rose bonbon... elles avaient l'art et la manière de retourner les crêpes, les dames d'hier. Vous vous souvenez ? Du parfum à outrance, pour chasser les idées noires. Un nuage de baiser à la poudre de riz, pour rire. Et, pas moyen de leur sortir un mot ! Le rimmel et le rouge à lèvres stoppaient net leurs confidences. Chemisier à fleurs et bonne humeur, même combat !

Femme d’à côté, excommuniée par une famille à tête de veau, femme libérée, révoltée, indépendante, femme au boulot, au petit pot, à la foire et au moulin, aux semelles compensées pour courir aussi vite que le vent… comme le temps passe vite !

Alex Prager nous raconte un monde qui, d'une façon ou d'une autre, ne peut que nous toucher.

Une photographe à découvrir... pour sortir du gris des jours.

Ophélie Grevet ©

*Une journée particulière d’Ettore Scola.

En randonnée avec Jacqueline de Romilly

noreply@blogspirit.com (Ophélie) — Sat, 06 Apr 2013 14:45:00 +0200

Montagne Sainte-Victoire de Paul Cézanne

Ses escapades l’entraînent vers les sommets de la montagne Saint-Victoire, en toutes saisons. Sentes, chemins, rochers, sous l’œil complice du ciel, Jacqueline de Romilly célèbre la montagne et ses voies de traverse dans un ouvrage à couper le souffle. Quand le livre devient une promenade, partagée avec ses lecteurs par la grâce de son écriture, on sent passer le bonheur à portée de main. Pour voir, pas pour lui faire du mal, essayons juste de l’attraper dans nos filets à papillons percés.

La vie actuelle, un palimpseste de stress, de tristesse, de souffrance, de désillusions au quotidien.

Le temps de la contemplation est considéré comme inutile ; temps perdu, fichu, bouillu, l’homme moderne n’en veut pas. L’angoisse du lendemain prime sur tout. Prisonnier d’une pensée exacerbée par les chorales du « sauve-qui-peut en général», l’homme souffre d’un matraquage de modèles sociaux, politiques, intellectuels, artistiques, moribonds, désossés, sans réelle envergure ; mais plus édifiant encore, la flânerie du regard ne fait plus rêver quiconque. Un tableau noir, donc. Sans inscription nouvelle. Une couleur obscure d’où, inexorablement, toute espérance s’efface.

L’auteure flirte avec les couleurs.

Une carrière universitaire bien remplie, une épée d’académicienne, une vocation qui l’a retenue pendant des années dans les confins de l’antiquité et des penseurs Grecs ; lorsque Jacqueline de Romilly écrit « Sur les chemins de Sainte-Victoire » elle n’est plus très jeune, mais bien décidée à parcourir la montagne qui l’enchante depuis toujours. Entre impressions et ascensions, elle va la célébrer. Leur première rencontre date de la dernière guerre; la France est coupée en deux zones, l’exode repousse des flots de réfugiés dans le sud, l’auteure vient d’avoir vingt ans. Pas de coup de foudre entre elles-deux. La vie, sous l’occupation, est trop dure pour baguenauder. La famille a d’autres chats à fouetter. Son amour pour Sainte-Victoire, lieu de paix, de méditation, d’enchantement, viendra plus tardivement… une histoire qui finira en passion.

Des pages comme des bouffées d’air pur…

En ouvrant le livre, j’ai entendu ses pas glisser dans les épines de pins, en automne. Les mignardises du ciel ou du soleil couchant, je les ai vues comme elle. Les senteurs, les couleurs, les fleurs sauvages qui vont à la rencontre des marcheurs me sont devenues familières… le livre, soudain, remplace la ville et ses sales chamboulements. La douceur, la lumière, l’émerveillement, m’emportent loin, très loin, des miasmes de la vie citadine. Plus simplement, la lecture m’a permis de suivre avec ses yeux à elle, les chemins du Beau, du simple, du poétique. Le spectacle sans chichis du plein air nous saoule de sérénité ! Soudain, les hommes sont transformés en cigales par les Muses… Au banquet de la nature, pas une once de superflu. La montagne ouvre ses portes aux amoureux, aux enfants-randonneurs, aux buissons de genêts, aux oiseaux de la nuit ou du jour, au refuge de bergers où se reposait Zola. La sauvage est coquette, il faut la voir changer d’humeur et de couleur au nez des promeneurs, pour n’en point douter. Mais face à l’arrondi de ses flancs escarpés, que la palette de Paul Cézanne a recréé sans relâche, l’homme se débarrasse des sirènes du désespoir. Le bruit court même qu’il peut, le temps d’un regard, réveiller le bel endormi… le sens de la vie.

Jacqueline de Romilly : Sur les chemins de Sainte Victoire : édition Julliard 1987 (Presses Pocket)

Extrait :

« Je voudrais vivre pour les autres et les aider. Parfois, j’essaie. Souvent, même. Mais comment, à mon âge en particulier, arriver à le faire, sinon en me souvenant obstinément que, si le monde est plein de souffrance, il est aussi plein de beauté ? Seule cette culture de la sérénité, que je pratique au long des chemins, m’aide à m’en souvenir, et à le rappeler aux autres. L’équilibre est à ce prix ».*

Femmes: butins de guerres

noreply@blogspirit.com (Ophélie) — Tue, 26 Mar 2013 10:53:00 +0100

Photo: Berlin, avril 1945, une femme se suicide pour échapper au viol.

JEUDI 28 MARS 2013 – 20h et 21h15.

Rue de Bourg, Lausanne. Café-théâtre du Bourg. www.tastemot.ch
Entrée libre!

20h : UNE FEMME À BERLIN
Une jeune berlinoise, anonyme, rédige son journal, du 20 avril au 22 juin 1945.
Les soviétiques sont aux portes de Berlin et s'emparent des femmes allemandes comme d'un butin de guerre.
Un témoignage précis, poignant, sarcastique, qui permet à son auteur de ne pas sombrer dans la folie.
Une première édition en 1954 fait scandale. Son auteur refuse alors de nouvelles publications jusqu'à sa mort.
«Une femme à Berlin» tombe dans l'oubli. En 1968, les étudiants allemands font circuler des photocopies du récit qui recréent la polémique.
Ce n'est qu'en 2003 que l'identité de l'auteure, Marta Hillers, journaliste, sera enfin dévoilée et que son récit sera à nouveau publié.

Avec : Monica Budde, Véronique Montel, Stéphane Chapuis (bandonéon)

Adaptation du texte de Marta Hillers: Véronique Montel